Отправляет email-рассылки с помощью сервиса Sendsay

Виртуальная арт-галерея

Рассылка закрыта

При закрытии подписчики были переданы в рассылку "Всё искусство здесь" на которую и рекомендуем вам подписаться.

Вы можете найти рассылки сходной тематики в Каталоге рассылок.

←   Июнь 2007   →
 1
 2
 3
 4
 5
 6
 7
 8
 9
10
11
12
13
14
15
16
17
18
19
20
21
22
23
24
25
26
27
28
29
30
Автор
buslaev.lan@mit.ru

Статистика

542 подписчиков
-1 за неделю
←   Все выпуски   →

Виртуальная арт-галерея продолжение темы: с чего начинается живопись?


урок №3:

Насыщенность - степень приближения цвета к аналогичному спектральному, то есть самому яркому. На этом основании все цвета делят на ахроматические (белый, серый, черный, в которых цветовой тон едва различим) и хроматические (цветовой тон просматривается четко).

Степень светлости цвета (тон) - один из важнейших для живописи признаков цвета. В "одно-цветном" черно-белом рисунке мы ощущаем и пространство, и форму, и форму, и характер освещения, и даже фактуру изображаемых предметов (металл, стекло, камень, полотно)

Свет на предмете отличается от тени, полутона, местного рефлекса не только по светлоте, но и по степени "потепления" или "похолодания".

Отличие цветов по тону, насыщенности, степени светлоты и "теплоты" называют цветовыми отношениями. Равенством цветовых отношений и достигается сходство изображения и натуры. Равенства этого не выразить ни цифрами, ни словами. Ведь не скажешь, во сколько раз рассматриваемый цвет краснее, теплее или светлее других цветов. Определит это лишь глаз живописца, которому необходима конкретная "точка отсчета" - общий тон, или степень освещенности.

Известный живописец Н. Крымов рассказывал: "У Левитана есть произведение "Последний луч (Осиновая роща)". Там есть осины, которые буквально горят на солнце. Они написаны сиеной. Один художник сказал, что они ещё больше бы светились, если бы их написать кроном. Это не верно. Надо темнить для того, чтобы вещь светилась, а не светлить". Действительно, стоит пересветлить эти горящие осины и они будут выбиваться из общего тона.

Предположим, надо написать фигуру натурщика в белой рубашке и черном жилете при обычном дневном освещении в закрытом помещении. Если за отправную точку брать черный жилет, то белая рубашка "вырвется" из изображения. Если же вести отсчет от тона рубашки, то этюд будет неизбежно перебелен. Нельзя писать эту рубашку так, бкдто её освещает солнце, а все остальные детали изображения - как они выглядят в комнате с обычным дневным освещением. Брать за отправную точку надо не белый и не черный, а отношения их друг к другу, с учетом общего тона. перебелен. Нельзя писать эту рубашку так, бдто её освещает солнце, а все остальные детали изображения - как они выглядят в комнате с обычным дневным освещением. Брать за отправную точку надо не белый и не черный, а отношения их друг к другу, с учетом общего тона..

Цельность изображения достигается не только правильно найденным соотношением цвета, но и выделением частного общему.

На несущественные подробности надо смотреть бегло, боковым зрением. Если же Вы главное и второстепенное будете писать с одинаковым вниманием, то будет нарушена цельность изображения. Ведь такое видение под стать равнодушию. Зритель не будет знать, что же Вас интересует в первую очередь.

Понятие "видение". Как же его развивать на практике?

Начнем с постановки. Для этой цели, скорее всего служит натюрморт. Он должен быть интересным и по цвету и, по характеру составляющих его предметов. Попробуйте поставить помимо обычных овощей и фруктов, что-то не стандартное: копченую рыбу, куриную ножку, шмат сала, зелень петрушки. Небрежно брошенная салфетка. Если это Ваш первый натюрморт не старайтесь со стеклянными сосудами советских времен: бутылки из под трех-семерок, чекушки по 250, да, в конце-то концов граненный стакан, наполненный какой-нибудь жидкостью, банка с маслом: очень сложны в написании.
У одного моего друга, теперь, уже известного и довольно успешного живописца, когда он ещё учился в Сурке, была целая серия портвейнов, баночек и граненных стаканов.

Прежде, чем приступить к основному этюду, следует выполнить несколько небольших предварительных эскизов, так называемых форэскизов. В первую очередь необходимо определить формат будущего этюда, выразительно разместить в нем постановку. Здесь может помочь окошечко-видоискатель.

Формат основного эскиза определяется так: форэскиз прикладывается левым нижним углом к соответствующему углу эскиза, затем проводится диагональю пересечения либо с верхней кромкой листа основного эскиза, либо с правой вертикальной кромкой; через точки пересечения проводим вертикальную (в первом случае) либо горизонтальную линию. Потом наносим рисунок, распределяя составные части постановки по форэскизу.

Начинать обучение живописи, лучше с акварели, хотя она и считается трудной техникой. И прежде всего потому, что ошибки в акварели с трудом исправляются.

Зато она обладает целым рядом достоинств: портативность, позволяет быстро заменить неудачный лист. Отличительная черта акварели - прозрачность: нижний слой просвечивает сквозь положенный сверху. Белилами в акварели служит белая бумага.

Правда, английские акварелисты широко пользуются, особенно для изображения неба, ещё и акварельными белилами (вместо акварельных можно употреблять гуашевые белила, если брать их в небольшом количестве).

Масло и темпера плотны, то есть непрозрачны. Для осветления цвета широко используются белила. Гуашь сильно светлеет при высыхании, а при исправлении ошибок размывается, грязнит вновь налагаемый цвет.

Достоинства акварели с лихвой искупают трудности, связанные с этой техникой. Да и сами трудности при условии правильного использования акварели до известной степени преувеличены. Не следует только допускать бессистемного записывания всего этюда подмалевком. Пока будешь искажать нужный цвет, переделывать - собьёшь рисунок, получится "грязь". Сразу заполнять этюд цветом может позволить себе, лишь, тот, кто уже хорошо владеет рисунком. Начинающему же лучше воспроизводить натуру по частям. Если при этом постоянно сравнивать изображаемые куски со всеми остальными частями натуры, необходимая цельность сохранится, ибо не утратится главное - возможность найти нужные цветовые отношения.

Прежде чем писать, определите самый темный цвет в постановке. Дать его надо сразу во всю силу по слегка влажной бумаге, согласуя эту силу с черным бархатом, положенным рядом с листом.

Желательно избегать многократного наслоения акварели для достижения глубины тона, легкости прозрачности, живости рисунка, помните и не вся бумага пригодна для многократных исправлений.

Дальнейший процесс может быть двояким: можно найти цвет самого светлого в постановке, используя в качестве камертона лист хорошо освещенной белой бумаги. После установленного светлого цвета заполняются все промежуточные цвета.

А можно последовательно заполнять места, лежащие рядом с самым темным цветом. Второй путь более легкий.

Н. Крымов вместо белой бумаги предлагал пламя зажженой спички, чья светлота не зависит от освещения. Но пламя спички малопригодно в помещении, не говоря уже о противопожарной безопасности, глаз привыкает к его светлоте, и все изображаемое кажется темнее, чем на самом деле.

Можно ли достичь абсолютного видения цвета, то есть когда художник, нанося краску на незаписанную изобразительную поверхность, уже чувствует верный он взял цвет или нет?

Да, можно. Так иногда работали К. Брюллов, М. Врубель, В. Серов, И. Грабарь видел в Париже у какого-то продавца картин абсолютно законченные до последней жилки "Цветы" Э. Мане с незаписанным фоном.

От природы абсолютным видением цвета владею немногие. Развитие этого дара требует длительного времени и кропотливого труда.

В статье использованы материалы Д. Домогацкого.

Публикуемые статьи, иллюстрации к ним на сайте: http://www.virtyal.ru/yrok3.php
В избранное