В ПRОЕКТ_FАБRИКА в зале Оливье - INSIDE FABRIKA OUTSIDE, совместный российско-французский проект.

Выставка, которую сделала Наталья Смолянская, художник и теоретик современного искусства, посвящена институциональной критике. Еще одна попытка переосмысления связей: искусство – галерея - рынок – главная ее тема. Что для искусства является «местом» и что «не местом»: музей, фабрика, лофт, улица? Для Натальи Смолянской выставка INSIDE FABRIKA OUTSIDE стала первым полноценным опытом кураторской работы. «Такой опыт - действительно первый, - говорит Наталья. Это была по-настоящему кураторская работа. Организацией выставок я занималась и раньше, и не только своих, но и групповых, например, в те времена, когда еще существовала наша группа «Полигон». Правда, тогда кураторов не было, были организаторы. Выбор художников для проекта оказался не простым. Мне не хотелось идти по формальному пути, хотелось идти по пути организации пространства: внутри-снаружи, inside-outside…»
Итак, в экспозиции за OUTSIDE отвечают: Хаим Сокол, протестные плакаты к митингу 24 декабря, Герман Виноградов (звук OUTSIDE), Christian Lebrat (флаги), MAKE, галерея - мастерская «Контейнер», движение Partizaning.
INSIDE же в экспозиции, это художники: Алексей Булдаков, Герман Виноградов, Арсений Жиляев, Julien Kohlmann (Франция), Анатолий Комелин, Christian Lebrat (Франция), Александр Соколов, зАиБи, MACHETE Group (США), ЧТО ДЕЛАТЬ?
Есть еще материалы по институциональной критике: некоторые факты истории - описания и иллюстрации. Представлен также «Рабочий клуб» - материалы русского авангарда. «Потому что для меня другая очень важная составляющая проекта, кроме институциональной критики – это русский авангард, - говорит Наталья Смолянская, идеи авангарда с растворением, претворением искусства в жизнь – это очень важно. В проекте представлен, например, Соломон Никрютин, фотографиями из архивов РГАЛИ. Прежде всего, он известен как художник, живописец. Под влиянием Всеволода Мейерхольда Соломон Никрютин увлекся идеями биомеханики и организовал при мастерских Вхутемаса «Экспериментальные выставки Проекционного театра», которые просуществовали до 1926 года. В своем Проекционном театре он работал над движениями, которые впоследствии, как он считал, можно будет шлифовать на сцене, а потом использовать в производственном процессе. Вот такой был утопический проект, проект, когда искусство совершенно становилось жизнью. Соломон Никрютин писал – единственное искусство, которое существует – это искусство жизни». Искусство жизни еще сохранилось и на Фабрике. Связь времен, когда здесь работали машины и люди, оборвалась совсем недавно, всего лишь несколько месяцев. «Я действительно, планировала снять машину на видео в работающем режиме, говорит Наталья Смолянская. Но машина пол года уже как отключена. Я этого не знала. Но даже и без работающей машины, мне захотелось вернуть
фабрику фабрике. Поэтому для меня очень важно было показать в моем проекте другой проект, который уже был здесь реализован, он как бы предваряет мой – это проект Арсения Жилева «Машина и Наташа». Он вошел в экспозицию фрагментом инсталляции, посвященной истории фабрики. Он тоже относится к институциональной критике, в нашем российском контексте».
Сложносочиненная идея INSIDE FABRIKA OUTSIDE в фабричном пространстве реализовалась. Экспериментальная выставка как презентация идеи институциональной критики в современном искусстве, в контексте пересмотра и нового «возвращения» авангарда состоялась.
К выставке также прилагается международная научная конференция, и круглый стол на которых 20 июня выступят Жан-Марк Пуэнсо, Екатерина Деготь Габриэль Рокхилл, Олег Аронсон, Виктор Мизиано и др. Не пропустите!

До 25 июня.

В Государственном музее современного искусства РАХ  на Гоголевском бульваре - Леонид Соков «Угол зрения».

Московская ретроспектива Леонида Сокова открылась, и публика, наконец-то, увидела творчество живого классика в полном объеме. В экспозиции музея нынче представлены работы практически всей творческой жизни художника - с семидесятых годов прошлого века до десятых нынешнего. Получилось более ста двадцати работ, тематически разделенных на девять частей. Скульптуру и живопись привезли в Москву из государственных и частных коллекций Америки, Европы и России. Есть, например, произведения из The Freedman Gallery, The Jane Voorhees Zimmerli Art Museum, Galleria Mazzoli, из Третьяковской галереи, Фонда «Екатерина». Некоторые объекты приехали из мастерской художника, прямо из Нью-Йорка, где он живет вот уже более тридцати лет.
А родился отец русского соц-арта в 1941 году, в деревне Михалево, в Калининской области. Отец Леонида Сокова, Соков Петр Сергеевич, происходил из деревни Збыневля, и как пишет художник. «Был завсегдатаем всех бесед (деревенских гулянок), добряком, плясуном кадрили под гармошку и очень популярным человеком в окружных деревнях. Бабушка, которую я в детском возрасте расспрашивал о погибшем на войне отце, рассказывала, что отец любил скоморошничать и, наплясавшись под гармошку, пердел в самоварную трубу, смеша селян подобными выходками. В тридцатые годы отец был назначен директором маленького молокозавода в Лебзино. Это первая остановка, если ехать в Савелово в сторону Москвы. Оттуда в 1941 году отец ушел на фронт и погиб. Я родился в 1941 и никогда не видел отца». Что же касается матери художника, то «Сокова Татьяна Павловна, судя по фотографиям, в юности была очаровательная, миловидная тоненькая девушка с карими глазами и темными волосами. У матери было много ухажеров, но она вышла замуж за моего отца. Отец погиб на фронте в 1941 году, и мать осталась с двумя детьми. Чтобы мне не загнуться от голода в голодные послевоенные годы, отправила меня в Михалево. Сама со старшим братом голодала и хватила лиха. Работала почтальоном, обегая за день окружные деревни вокруг Лебезино. Когда же в результате пожара сгорел дом в Лебезино, она переехала в Москву и устроилась лифтером в доме 12/1 по Чапаевскому переулку. Впоследствии взяла и меня в Москву. Мы жили в 16-метровой комнате, где кроме нашей койки стояло еще 3, и на них размещались такие же, как мы с мамой бедолаги. Она всячески сопротивлялась моему отъезду в эмиграцию в USA. Мы расстались в 1979 году в Шереметьево 2 – навсегда. Но после перестройки стало возможно возвращаться. Первый раз я возвратился в 1989 году и приезжал почти каждый год, в основном для того, чтобы повидать ее». Судьба тривиальная («то, что валяется на большой дороге»), такая случилась у советских людей. Но не многие, а лучше сказать избранные, благодаря таланту и звездам превращались в ключевых героев действующей истории искусства.
Когда маленький Леня Соков, приехавший в Москву, поступил в художественную школу при Академии художеств СССР, он еще не знал, как все получится. Отслужив после школы три года армии, он поступил в Строгановское училище. После его окончания вступил в Союз художников, стал скульптором-анималистом - это для денег. А для души был всяческий формализм - поп-арт - постмодернизм с
товарищами по андеграунду - Александром Косолаповым, Игорем Шелковским, Александром Юликовым, Игорем Макаревичем… В общем, было здорово! Много чего было в жизни, в том числе и выставок. Маленький деревенский мальчик как голливудский герой покорил Европу и Америку, а теперь вот, снова Россию. На московской выставке знаковы и значимы абсолютно все произведения. Об этом – каталог с текстами Бориса Гройса, Андрея Ерофеева, Юлии Туловской и Глеба Напреенко.
Осматривая выставку, вдруг понимаешь, что русский соц-арт – это на пятьдесят процентов Леонид Соков, нарочито ярмарочный, деревенский, из Михалево. Леонид Соков, у которого богородская игрушка срощена с имперским гербом, Мэрлин Монро обнимает Сталина, Джакометти встречается с Лениным, Микки Маус с Марксом, а серп и молот - с долларом.
Смеховая культура Леонида Сокова, такая запретная, такая грешная притягательна и сегодня. Все его штуки и шутки хороши, потешны и актуальна, даже, несмотря на то, что новое поколение смутно помнит, кто такой Брежнев или Антропов. Зато оно все знает о Малевиче, Татлине, Дюшане или Моне, которых художник тоже не пощадил. Он же родом из деревни Михалево!

До 1 июля.

Вечный спор о старом и новом.

Открывшаяся 1 июня на двух площадках - в Арсенале и в доме Д.В. Сироткина, - выставка "Портрет/Пейзаж: границы жанра" неожиданным образом вернула нижегородского зрителя к давно уже решенному спору о том, что есть современное искусство, где и как оно должно представляться, достойны ли некоторые его объекты вообще называться произведениями искусства и т.д.
Все эти вопросы были заданы в течение нескольких лет после того, как предметы современного искусства стали доступны широкому российскому зрителю, и ответы на них получены и документированы.
Но то ли все дело в том, что одна часть выставки разместилась в здании Нижегородского государственного художественного музея, к современному искусству ни пространством, ни публикой не адаптированном. То ли в том, что выставка эта представляет уникальный для нижегородского, да и для российского зрителя эксперимент по совмещению в одной экспозиции классических произведений (начиная с XVI века) и работ художников XX-XXI веков, работающих в жанре видеоарта, перформанса и инсталляции, среди которых, - Марина Абрамович, Гилберт и Джордж, Джон Балдессари.
Более 50 экспонатов были разделены не по хронологии, а по жанрам для того, чтобы проследить эволюцию искусства и понаблюдать коммуникацию между прошлым и современностью. Ведь интересно же обнаруживать параллели там, где, казалось бы, их не может быть. Интересно послушать диалог художников, который состоялся в реальности, и был искусственно создан  интернациональной командой кураторов.
Произведения для экспозиции выбирались не только и не столько по статусу, сколько по возможности взаимодействия друг с другом и построения визуальных фраз и реплик на сочетании или контрасте цветов, форм, смыслов.
Работа Джеймса Рейли "Любопытный" , к примеру, копирует и позу, и взгляд молодого графа де Сен-Мари на портрете Жана Батиста Грёза. Портреты "Дяди Руди" в нацистской форме Герхарда Рихтера и начальника полиции эпохи Реставрации Клода-Мари Дюбюфе наглядно демонстрируют сходства и различия в изображении официальных должностных лиц разных веков.
А на месте пасторальных пейзажей Хермана Ван Сванефельта как будто выросли со временем графичные черно-белые здания Эфрата Швили.
Подобная выставочная практика привычна европейскому зрителю. В частности, посетителям Музея изящных искусств французского города Нанта, откуда и приехала сначала в Нижний Новгород, а потом в Москву часть музейной коллекции. А нижегородская публика оказалась к этому эксперименту не готова и, видимо, от растерянности вела себя настороженно. Вспоминается сразу знаменитый французский Салон, на котором импрессионистов приняли в штыки.
Бесспорно, есть некоторая провокация в таких работах как фотография "Воксхолльский мост" (из серии "Писающая женщина") Софи Рикет или видео "Вполголоса" Вито Аккончи, которая особенно обостряется в соседстве с классическими портретами Грёза и Тинторетто. Но смысл выставки как раз в том, чтобы не поддаться на эту провокацию и приучить себя к мысли о том, что то искусство, которое нам сейчас кажется странным и непонятным только потому, что мы слишком близко к нему находимся, через несколько лет станет такой же классикой, как Ван Гог, Мане и Пикассо. А обнаженные мужчина и женщина из пяти лёгких пьес Ивон Райнер не более, чем ожившие мраморные статуи, снятые на видео.

"Портрет/Пейзаж: границы жанра".
ПРИВОЛЖСКИЙ ФИЛИАЛ ГОСУДАРСТВЕННОГО ЦЕНТРА СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА ( Арсенал, Кремль, корпус 6.); НИЖЕГОРОДСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ ХУДОЖЕСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ (дом Д.В.Сироткина, Верхневолжская набережная, 3) до 5 августа.
В Москве - с 23 августа в ГЦСИ и ММСИ.

Неизвестный художник с известной фамилией.

В выставочном комплексе на главной площади города расположилась довольно большая экспозиция малоизвестного представителя династии Бенуа-Лансере-Серебряковых Александра Бенуа ди Стетто. Выставка называется "Возвращение на родину", и является частью большого проекта, стартовавшего в 2006 году и объединившего музеи России (в том числе Русский музей и Третьяковскую галерею), пожелавшие познакомить российского зрителя с живописцем, графиком, мастером декоративно- прикладного искусства, который, бесспорно, унаследовал таланты своих знаменитых российских родственников, но практически всю жизнь прожил за границей. 
Краткая его биография такая:  Александр Бенуа родился в Петербурге, в 1920 году, после того, как арестовали всю семью Л.Н. Бенуа, молодой художник покинул Советскую Россию. Он перебрался сначала в Финляндию, затем, в 1922 году, через Германию - в Швейцарию, на родину своего отца. Там в городке Стетто, он получил новые документы на фамилию матери и с того момента стал носить имя Александра Бенуа ди Стетто. Поэтому тема его работ, в основном, - улочки практически всех европейских столиц и живописные морские и горные пейзажи. По настроению они спокойны и, может быть, немного грустны. По цветам - не кричат, а скорее даже приглушают естественную красоту запечатленных мест. Особенно привлекают внимание нежные прозрачные, мастерски выполненные, акварели. Все-таки питерская академическая школа живописи заложила основу всего творчества. Его учителями были Иван Билибин и Николай Рерих.
Кроме пейзажей в экспозицию включены портреты и натюрморты. Вполне интернациональные. О русском происхождении говорят только ранние эскизы с изображением крестьянок. А уже более поздний "Русский натюрморт" отражает стандартный взгляд иностранца - хохлома, балалайка, рушники и куклы в национальных костюмах.
Отдельно хочется отметить серию ранних работ, видимо, еще студенческих, изображающих животных. От слона, бегемота, леопарда, льва, шимпанзе, выполненных сангиной, невозможно оторваться. У каждого свой характер, свое настроение. Пожалуй, это лучшая часть экспозиции.http://www.ngvk.ru/news/2012/05/19/1222/

«Александр Бенуа ди Стетто. Возвращение в Россию».
Нижегородский Государственный выставочный комплекс (пл. Минина и Пожарского, 2/2) до 8 июля.

Дома с глазами и парк с башнями.

Превратить провинциальный город нижегородской области в центр паблик-арта под силу только энтузиастам или крупному градообразующему предприятию. Выксунский металлургический завод с этой задачей успешно справляется уже второй год подряд, организуя теперь уже международный фестиваль "Арт-Овраг".
Идея этого проекта в том, чтобы во-первых, разрушить традиционное восприятие будничных городских объектов, таких как стандартные пятиэтажки, трансформаторные будки, учреждения, превратив их в арт-объекты. Во-вторых, зарядить жителей города духом творчества. И, в-третьих, привлечь в город художников из разных городов России и стран мира, предоставив им различные площадки для деятельности.
Основной такой площадкой стал городской парк, больше похожий на лес, где разместились несколько достойных внимания объектов. Это деревянная башня "Big gini", созданная из однотипных модулей американцем Джоном Пауэрсом, художником с мировым именем. По его признанию, все его работы - это один большой проект. Он просто бесконечно соединяет тысячи одинаковых модулей в шары, пирамиды, полотна и т.д., создавая четко выстроенные архитектурные формы. Выросший в Чикаго и воспитанный на работах Фрэнка Ллойд Райта, который призывал мыслить простыми формами, он эти простые формы соединяет, как бы играя в большой тетрис. www.johnpowers.us
Недалеко от творения Пауэрса зависла между деревьями "Башня Медуза" испанского архитектора Лоренцо Фернандеса Одоньеса. Эта изящнейшая конструкция идеально вписавшаяся в пространство парка-леса появилась на фестивале случайно. На самом деле заявлен был другой объект - "Дрожащая башня" для создания которой нужна была огромная пружина, которую просто не смогли найти или изготовить к началу фестиваля. Поэтому Лоренсо работал с теми материалами, которые были. На самом деле они очень похожи на обрезки от стоящей по соседству "Поющей башни" московского архитектора Ольги Фридлянд.
В итоге, случайность, благодаря гению испанского мастера превратила эти две башни в своеобразный архитектурный ансамбль из полупрозрачного пластика. Лоренцо вообще мастер встраивания архитектурных форм в природный ландшафт. Один из его проектов по созданию мистического пространства внутри горы Монтанья Тиндайя одного из Канарских островов, совместно с архитектором Эдуардо Чилида - невероятно масштабный и красивый. Он развивает тему скульптуры Чилидо "Монтана Vacìa" (пустая гора). Подробнее можно прочитать здесь
http://www.floornature.com/projects-interior-design/project-montana-tindaya-eduardo-chillida-fuerteventura-spain-4102/ 
А за пределами парка - буйство стрит-арта и граффити. Лучшие представители этих жанров превратили типовые многоэтажки в арт-объекты, а ничем не примичательное общежитие в картину Мондриана.
За положительный настрой посетителей фестиваля отвечали "пневмоконструкции" Ивана Тимофеева, похожие на гигантских надувных рыб, очень забавно смотревшиеся среди елей и березок.
Выставку-документацию фестиваля "Арт-Овраг" можно увидеть в Москве с 15 июня.
Следите за новостями на сайте http://street-art-ovrag.ru/