Источник: Vikstorri (Виктория)

Чтобы ответить на вопрос, в чем же загадка Густава Климта, что завораживает и сегодня в его искусстве, нужно обратиться к тому периоду, в котором жил и творил художник. Рубеж веков. Рубеж и ломка социальных границ. Рубеж сознания людей. Творческий порыв и ощущение трагедии, неизбежное в эпоху, когда рушится старый и создается новый мир, в чем-то прекрасный, в чем-то пугающий. Я люблю ХХ век, и особенно его начало. ХХI в сравнении мне кажется бледным, но, возможно, «большое видится на расстоянии». Люблю искусство этого периода. Но я не хотела бы жить в эту эпоху перемен. И с тем большим уважением отношусь к тем, кто не просто жил, но и творил, пытаясь удержать и передать красоту окружающего мира.

Новый стиль «модерн» окончательно оформился к началу 90-х годов XIX века. Его появление было встречено с необычайным энтузиазмом. Представители разных видов искусства сразу увидели его творческие возможности и устремленность в будущее. По-французски название нового стиля звучало «ар нуво» (Art Nouveau — новое искусство); не менее многозначительны названия нового стиля в Германии — «югендштиль» (от немецкого Jugend — молодость, по названию журнала) и в России — «модерн» (в переводе с французского moderne — новейший, современный).

Однако претензии основоположников модерна на абсолютную новизну и полное забвение искусства прошлого несколько преувеличены. Новый стиль возник не в одночасье и не на пустом месте. Он складывался из множества тенденций и направлений, среди которых не последнее место занимало и обращение к историческим стилям. На начальном этапе формирования модерна особенно ощутимо влияние готики. Творчество художников модерна не избежало и влияния искусства других эпох — крито-микенской культуры, своеобразной пластики этрусков, красоты форм и орнаментики кельтских вещей, итальянского маньеризма конца XVI века. В эпоху модерна обращение к искусству прошлого носило принципиально иной характер, чем в предшествовавший период. Оно заключалось не в заимствовании элементов каких-то определенных стилей и воспроизведении исторических образцов, а в синтезе разных культур, обобщении художественного опыта предыдущих поколений. Заметное влияние на стиль модерн оказало также знакомство Европы со Страной восходящего солнца, которая долгое время была закрыта для европейцев. Утонченное мировосприятие японцев, культ природы, изысканная декоративность костюма и окружающих их вещей, завораживали художников и не могли не овладеть их воображением.

Новый стиль заявил о себе в начале во Франции и в Германии, а затем почти одновременно в Бельгии, Англии, Австрии, Скандинавских странах и в России. Он охватил многие сферы художественной деятельности. Можно условно разделить модерн на два периода: в первом преобладали флоральные мотивы, плавные изогнутые линии, во втором – акцент был сделан на геометрию. К началу XX века флоральное течение модерна достигло апогея своего развития. И хотя отдельные проявления этого стиля встречались вплоть до 1914 года, формы стали менее изощренными, а волнистые линии заменил геометризированный декор. В архитектуре и произведениях декоративно-прикладного искусства позднего модерна уже прослеживались черты конструктивизма.

Проявил себя модерн и в моем родном городе, который городом, собственно и становился на рубеже XIX-XX веков. Например:

Хронологические рамки эпохи модерна очень узки, немногим более двух десятилетий, но значение этого стиля для развития искусства необычайно велико. Соединив традиции Запада и Востока, античности и средневековья, аристократического и фольклорного искусства, обобщив опыт всего предыдущего художественного развития, творцы эпохи модерна создали яркое самобытное искусство.

Имя известного австрийского художника, графика и книжного иллюстратора Густава Климта (1862-1918 года) неразрывно связано со стилем модерн, и его картины – самое яркое его проявление. Климт был одним из самых интересных и востребованных представителей мирового изобразительного искусства. Он никогда не стремился демонстрировать публике свою исключительность. Работал он тихо, спокойно, делал только то, что считал необходимым: «Твои дела и твое искусство не могут нравиться всем: делай, что считаешь правильным, для блага немногих. Нравиться слишком многим — плохо». А между тем, на свете было не так много мастеров, которые были бы так обласканы публикой, осыпаны заказами и не испытывали материальных затруднений. В этом одна из загадок Климта.

Климт родился в семье гравёра и ювелира недалеко от Вены. Отец не мог добиться достатка с помощью своего ремесла. Из бедности семья выйдет только после того, как Густав, окончив Школу декоративного искусства, вместе с братом Эрнстом и другом Францем Матчем создаст фирму по выполнению художественных и декоративных работ. В течение нескольких лет, пока существовала фирма, Климт завоевал славу лучшего в Австрии живописца-декоратора. Однако, художник не был доволен собой, своим стилем.

Первые черты его неповторимого стиля проявились в росписях большой лестницы венского Музея истории искусств, созданных в 1890-1891 годах.

Кардинальное обновление живописи Климта состоялось в 1895 году, с уходом от псевдореализма, на смену которому пришли «видения». Также обычное использование в произведениях трехмерного пространства, уступило место плоскости. После композиции «Любовь», продемонстрировавшей эти изменения, появилась «Музыка I», картина, подтверждающая приверженность автора новому стилю.

Начался «золотой» период в творчестве Климта. Он пишет огромное количество картин, на которые, взглянув однажды, не забудешь никогда. Пишет обнажённые, откровенно чувственные тела («Подруги», «Адам и Ева»), напряжение чувств между двумя возлюбленными («Любовь», «Поцелуй»).

Поцелуй

Картина «Поцелуй» является одним из самых известных произведений Густава Климта. Оно относится к «золотому» периоду творчества художника в прямом смысле слова. Название «золотой» связано прежде всего с техникой работы, которая преобладала в это время. Климт активно использовал оттенки золотого, работал с сусальным золотом.

В 1897 году Климт возглавил Сецессион – объединение художников, созданное в противовес официальному искусству. 

Сецессион (от нем. Sezession, от лат. secessio — отход, отделение, обособление) — название ряда немецких и австрийских художественных обществ конца XIX - начала XX веков, представлявших новые течения в искусстве и возникших на почве оппозиции официально признанному академизму.

Венский Сецессион

Начало Венскому сецессиону положили Густав Климт, Йозеф Хофман, Коломан Мозер, Йозеф Мария Ольбрих, Вильгельм Лист и Макс Курцвайлем. Эта группа художников ориентировалась в своем искусстве на историзм. Придерживаясь своей политики, они знакомили венскую публику с французскими импрессионистами, музыкантами прошлого: «Мы хотим объявить войну стерильной рутине, неподвижному византинизму, всем видам плохого вкуса…  Наш «Сецессион» не является борьбой современных художников со старыми мастерами, но борьбой за успех художников, а не лавочников, которые называют себя художниками, но при этом их коммерческие интересы мешают процветанию искусства». К значительным заслугам художественной группы относят её выставочную политику, благодаря которой венской публике стали известны французские импрессионисты. 

Постер к первой выставке сецессиона

Стиль «Ар-нуво» — то, чего придерживались венские художники. Для того, чтобы их идеи распространялись, с ними знакомилась большая аудитория, Густав Климт и его единомышленники начали выпускать журнал, который получил название «Ver Sacrum». Первый номер этого журнала, перевод названия которого звучит как «Священная война», вышел из печати в 1898 году.

На этом деятельность группы Венских сецессионистов не ограничилась. Спустя еще четыре года они открывают Венские мастерские, которые представляли собой своеобразные собрания художников. Собирались эти художников с одной целью – реформация художественного ремесла. 

В 1900 году Г. Климт приступил к работе, предложенной Венским университетом, и представил роспись одного из плафонов – «Философия». Тогда то и разразился скандал. На этом плафоне, а потом и на следующих – «Медицина» и «Юриспруденция» – художник нарушил все законы колорита и композиции, сочетая несочетаемое. На его панно человек предстает рабом своего естества.

Такой Климт и шокировал, и очаровывал. Но скандал закончился тем, что художник, взяв денег взаймы, вернул университету аванс, а работы оставил себе. Заказов было так много, что это позволило ему быстро вернуть долг и в дальнейшем вообще не думать о деньгах.

Особую известность получила 14 выставка Сецессиона 1902 года, которая была посвящена Людвигу Ван Бетховену. Выставка была организована Йозефом Хоффманом. В центре размещалась статуя Бетховена работы Макса Клингера, которую окружал «Бетховенский Фриз» Г. Климта.

Перед музыкальными творениями великого композитора Людвига Ван Бетховена преклонялся не только Климт, но и многие художники того времени и члены Сецессиона, выражая свое восхищение творчеством композитора, устроили выставку, приурочив ее к открытию памятника великому гению, работы скульптора Макса Клингера. Достойным обрамлением памятника композитору должен был стать фриз, и Климт, приступая к работе над ним, решил, что интерпретировать бетховенские образы, созданные композитором в Девятой симфонии, лучше всего через язык живописи; идея музыкального произведения заключалась в раскрытии тайны достижения счастья и любви через преодоление страданий. При работе над фризом использовались дорогостоящие материалы, хотя и предполагалось, что он будет временным. Знания, полученные Климтом в художественно-ремесленном училище, а также унаследованные от отца-ювелира навыки работы с металлами, очень пригодились художнику во время работы над произведением. Созданные живописцем двухметровые картины-фрески, органично перекликались по манере со скульптурой, выполненной Клингером, при этом общая длина фриза составила 34 метра. 

Отправная точка «следования» по фризу – левая стена, находившаяся напротив входа. На этой картине Климт изобразил страдающего человека, молитвенно просящего о счастье. «Вопрошающий». «Главные события» фриза разворачиваются на центральном панно, где собственно и происходит «сражение». Название картины – «Враждебные силы», говорит само за себя. Явно отталкивающего вида «три грации», даже кичащиеся своими тощими фигурами, прикрыты лишь волосами-змеями, олицетворяют Болезнь, Безумие, Смерть. Более «открытым» представлен Тифон – персонаж из древнегреческих мифов, не скрывающий своего грозного характера. Далее — Сладострастие, Порок, Неумеренность. В образе Сладострастия – узнаваемая у Климта роковая женщина. Одинокая фигура женщины может показаться незначительной, стоя как бы особняком в этом ряду недружественных человечеству сил, но не следует забывать, что уныние – один из смертных грехов. Особый интерес вызывает правая сторона фриза, где изображено «Искусство, Хор ангелов Рая». Застывшие в объятиях влюбленные не вызывают ощущения похотливой сцены и органично выглядят на фоне всеобщей радости и любви, прославляемыми Ангельским хором. Поцелуй, как символ всеобщего примирения, впервые появился в творчестве Климта именно в «Бетховенском фризе», и этот акт проявления любви будет мастерски запечатлен в знаменитом «Поцелуе», а также во фризе для обеденного зала дворца Стокле. Несколько десятилетий это произведение было недоступно для просмотра публикой, и только в 1986 года, после реставрации, ценители живописи смогли воочию встретиться с истинным шедевром, созданным великим Климтом.

Бетховенский фриз

Еще одна известная работа Г. Климта — фриз обеденного зала дворца промышленика Стокле в Брюсселе. Эта работа предоставив шанс на практике защитить идеи Сецессиона, для которого разделение искусства на «чистое» и «функциональное», считалось неприемлемым. Мозаика для обеденного зала в стиле модерн, была бы отличным дополнением к архитектуре дворца, задуманной в соответствии с этим направлением. Византийская мозаика, заворожившая в свое время Климта, пригодилась ему очень кстати и теперь. Композиция состоит из девяти элементов с мозаичным триптихом по центру: «Ожидание», «Древо жизни», «Упоение». В «Ожидании» танцующая девушка уже не имеет ничего общего с роковыми моделями Климта. «Японские» черты этого образа вызваны вкусами и пожеланиями семьи Стокле, во владении которой было много предметов восточного искусства, поэтому для гармонизации помещений такая стилистика картины была выбрана не случайно. Знаменитое «Древо жизни» – картина, одно название которой порождает массу эмоций, несмотря на любую интерпретацию сюжета: от библейского Древа познания, символизирующего наивысшую мудрость, до «мирского» генеалогического дерева.

Черная птица, восседающая на одной из веток-тропинок, символизирует опасность, а то и смерть, олицетворяет поиск ответа на извечный вопрос противостояния Света и Тьмы, и не только во вселенских масштабах, а в первую очередь, в душе человека — постоянно повторяющийся мотив климтовских произведений о неразрывности Жизни и Смерти, об их диалектическом единстве, как условии существования настоящей гармонии. Лейтмотив «Упоения» — земной рай, дающий людям возможность через это прекрасное чувство ощутить неземное наслаждение.

Создание фриза пришлось на золотой период, наступивший у Климта после поездки в Италию, и его можно назвать «золотым» во многих отношениях: произведения обрели художественную ценность благородного металла, а мастер не жалел золота для своих шедевров. В творческой карьере Климта это был последний крупный заказ.

Несмотря на то, что именно Густав Климт был инициатором создания Венского сецессиона, разногласия, собственное видение искусства, заставили его покинуть сецессион. Общественная деятельность художника на этом не закончилась. В 1906 году в Вене появляется Союз австрийских художников, который обязан своим появлением Густаву Климту. Основную цель, которую поставили перед собой члены союза – это поддержка молодых, еще только начинающих художников.

Большое место в творчестве Г. Климта занимал образ женщины. Для эпохи модерна было характерно соотнесение мужского и женского начала, жиэни и смерти, Востока и Запада и так далее. Но Климту удалось совершенно по-новому отразить образ женщины. Портреты женщин по заказу (портреты Сони Книпс, Фрицы Ридлер, Адели Блох-Бауэр, Евгении и Меды Примавези, Фредерики Марии Биер и других). В любом случае проявляется личное видение окружающего мира и человека в нём. Женщина в центре внимания Климта. Их много, женщин Климта. Очаровательные лица, прически, руки, украшения, но платья и фон, как в волшебном калейдоскопе, превращаются в неповторимую сказочную декорацию. Именно так он видел человека, его красоту, слабости, страхи и страсти.

Соня Книпс

Фрица Ридлер

Мэда Примаверзи

Евгения Примаверзи

Фредерика Мария Биер

Адель Блох-Бауэр

И, конечно, Эмилия Флёге

К разряду необычных и, без преувеличения, загадочных работ Климта, относится произведение «Три возраста женщины», в котором художник снова обращается к постоянно волнующей его женской теме, но уже в более «расширенном» аспекте, затронутом ранее в картине «Любовь». Условно поделив жизненный путь женщины на три наиболее важных периода, Климт не только сделал ударение на цикличности этого пути, но еще показал жизнь и смерть, в их нераздельной связке. Лишь в единичных случаях комментировавший свое творчество, Климт всегда оставлял за зрителем право самостоятельно находить смысл изображенного на картинах, не давая каких-либо «наводящих» подсказок; не стала исключением и «Три возраста женщины».

Художник писал и пейзажи для себя. Так он отдыхал. Может поэтому критики долгое время обходили их своим вниманием. Сегодня его пейзажная живопись признана лучшей частью его творчества. «Цветущий сад», «Деревенский сад с подсолнухами», «После дождя», «Поляна с маками», «Берёзовая роща» почти реалистичны. Почти, потому что налет декоративности присутствует и в них, делает пейзажи легкими, призрачными, воздушными. Возможно, это другая сторона личности художника: простота, спокойствие и легкость, которых так не хватает человеку с его страстями.

Замок у воды

Сельский сад с подсолнухами

Яблоня

Озеро с березами

Несмотря на то, что Густав Климт получил признание и уважение у широкой публики будучи молодым художником, официально он был признан в 1917 году. В этом же году он становится почетным профессором Венской и Мюнхенской академий. Творческую судьбу Густава Климта можно назвать счастливой, хоть художник, как истинный творец, и не был доволен собой. Его жизненный путь пришелся на тот период, когда он мог максимально раскрыть свой талант, а смерть в 1918 году, открывшем новую эпоху в истории, тоже была весьма символична. Судьба же картин Климта оказалась более сложной. Здесь и трагедия, и детектив... Впрочем, об этом уже были публикации.

Ключевые слова:   климт, живопись, модерн, искусство

***

Живопись